blues
Buddy Bolden, en el ‘Big Bang’ de la música moderna
Buddy Bolden es considerado por los entendidos del jazz como el primero de los músicos que interpretaron música de jazz. Poseía tal potencia que cuando actuaba en el «Lincoln Parker» de Nueva Orleans el sonido de su trompeta se escuchaba desde el otro lado del barrio. La principal innovación de Bolden fue que la música que tocaba con su banda se hallaba a medio camino entre el ragtime y el blues, lo que no tardó en ser copiado por otros músicos de este barrio. Las casas discográficas no mostraban por aquel entonces ningún interés por la música que se estaba desarrollando en la ciudad, privando a los aficionados de documentos sonoros del propio Bolden. El estilo de Buddy resulta, por lo tanto, difícil de definir con exactitud, porque no llegó a grabar durante su carrera musical, aunque un trombonista de Nueva Orleans, Willie Cornish, aseguró en una ocasión que Bolden había grabado con él. Pero esa grabación nunca se ha encontrado.
La vida de Bolden siempre estuvo envuelta en un halo de misterio. Sus aventuras musicales fueron contadas por músicos que le conocieron y tratadas por críticos y biógrafos que hicieron de él un personaje mítico del jazz. Los biógrafos han comprobado que muchas informaciones se contradecían y ello convirtió la personalidad de Bolden en una leyenda. La mayor parte de los autores coinciden en que Buddy trabajaba en una barbería y aprovechaba sus ratos libres para ejercer como periodista en una gacetilla sensacionalista llamada «The Cricket». Pero la viuda de Bolden desmintió dichas actividades y nunca se halló ningún ejemplar de dicha gaceta. La información sobre Bolden fue confirmada cuando se hallaron los certificados de nacimiento, matrimonio y defunción en los archivos del Estado de Louisiana. No fue bautizado hasta los siete años. Posiblemente ésta fue la causa de las antiguas confusiones sobre su fecha de nacimiento.
Los padres de Buddy cambiaron cuatro veces de lugar su residencia hasta situarse en la First Street, calle considerada como un ‘not slave quarter’, es decir, un barrio poblado por ciudadanos no ex esclavos. Aquellas casas, propiedad de ricos burgueses, eran alquiladas tanto por criollos como por blancos. Los padres de Buddy en su condición de criollos disfrutaban de una vida diferente de la que llevaba la población negra. Los primeros contactos musicales de Buddy aparecen ligados a las celebraciones religiosas y a las bandas que a menudo pasaban bajo las ventanas de su casa. Pero Buddy no tocó en bandas callejeras, lo que hace pensar que la música y el estilo de Bolden eran tan diferentes de los cornetistas conocidos hasta entonces como afirman sus contemporáneos. Su actividad musical tenía lugar en picnics y en fiestas de baile. La constitución de sus bandas fue siempre diferente a las conocidas, lo que le permitió ser considerado como el primer músico de jazz.
Entre los años 1900 a 1906, Buddy se convirtió en el músico más popular de Nueva Orleans, pero un año más tarde, con sólo treinta de edad, Bolden sufrió un primer ataque de etilismo agudo que le llevaría a ser ingresado en el manicomio. Con ello Nueva Orleans perdería al músico más importante y mítico de la historia del jazz. Al margen de las bandas tipo Bolden, se creó en la parte pobre de la ciudad un tipo de formación musical que recibió el nombre de washboard band. Las bandas «de tabla de lavar» eran bandas espasmódicas que utilizaban instrumentos de fabricación casera como barreños, kazoos, guitarras de construcción doméstica y tablas de lavar. Esta música presentaba una gran influencia de los blues procedentes de las plantaciones y servía como acompañamiento musical en humildes tabernas. En años posteriores, este tipo de formación seguiría perviviendo y practicando uno de los estilos de blues más conocidos y más apreciados por estudiosos y puristas, aunque el tipismo de los grupos apenas les diera para malvivir.
El compás sexual de la disoluta emperatriz
«La Emperatriz del Blues», así era conocida Bessie Smith (1894-1937), una de las artistas más exitosas de principios del siglo XX, la cantante más popular de blues de los años 20 y 30, quien tuvo que luchar para que su talento se impusiera a los estragos financieros causados por la Gran Depresión de los años 20.
«Bessie Smith combinaba un inusual sentido del ritmo con una extrema sensibilidad para el tono y la dicción correctos, rasgo que le permitieron llegar a una audiencia muy amplia. Su forma de articular notas y palabras, empleando gran variedad de enfoques rítmicos y tonales, aportaba a sus interpretaciones una gran elegancia y cierta apariencia de improvisación», se puede leer en Wikipedia sobre esta artista.
La cantante comenzó su carrera como bailarina en la compañía Moses Stokes, en un espectáculo en el que también estaba Ma Rainey. En 1912, su hermano Clarence le consiguió su primer contrato profesional y un año después empezó a desarrollar su propio espectáculo, en el teatro 81 de Atlanta. Fue descubierta por Frank Walker, de la discográfica Columbia, en un club de Selma, Alabama, en 1917. Ya en 1920 había ganado fama en el sur y en el litoral este de los Estados Unidos.
Su primera grabación fue DownHearted Blues, realizada en Nueva York en 1923, una canción escrita y registrada previamente por Alberta Hunter. Ese mismo año grabó Jailhouse Blues, disco que dicen «marca la aparición del blues clásico». Apenas el inicio de los muchos trabajos que desarrolló junto a los más importantes artistas del momento, como Louis Armstrong, James P. Johnson, Joe Smith o Fletcher Henderson.
Pero Bessie no solo cantaba, sino que también actuaba y llegó a ser la actriz negra mejor pagada de su tiempo. Trabajaba muy duro durante el invierno y el resto del año viajaba por el país. Hasta tenía su propio vagón de ferrocarril para trasladarse.
Bessie ganaba tanto como despilfarraba, se arruinó y se rehizo una y otra vez. Su vida disoluta, su bisexualidad y su adicción al sexo la llevaron de la cumbre musical a los lupanares más sórdidos en los que cantaba canciones de explícito contenido pornográfico. Desenfadada, llegará a afirmar : ‘Fui pobre y fui rica, pero prefiero lo segundo’. Porque ella es la famosa Bessie Smith, la gran emperatriz y todo le está permitido.
Pero los excesos, su afición a la bebida y su difícil carácter empezaron a hacer mella en ella cuando la Gran Depresión azota a Estados Unidos.
Protagonizó el cortometraje St. Louis Blues y fue parte del fracasado musical de Broadway, Pansy, del que toda la crítica coincidió en que la única que destacaba era ella.
Así, como buena artista, no todo fueron mieles para Bessie, que vio su carrera acortada por una combinación entre el abuso del alcohol, la Gran Depresión y el nacimiento del vodevil. De todas formas, ella nunca bajó los brazos. También influyó que su vida se vio interrumpida tempranamente por un accidente de tránsito sufrido mientras viajaba a un concierto en Clarksdale, Memphis, con su compañero Lionel Hampton. La llevaron al afro-hospital de Clarksdale, donde hubo que amputarle un brazo, no volvió a recuperar el sentido y murió esa misma mañana.
Polémica
También como buena artista tuvo una muerte en la que la polémica se hizo presente. Tuvo que ver con el o los hospitales a los que supuestamente fue trasladada luego del accidente. John Hammond denunció en una nota para la revista de jazz Down Beat que Bessie fue rechazada en un hospital para blancos, sugiriendo que murió a causa de ello. Fue un rumor que se mantuvo por décadas, alentado en 1959 por la canción The death of Bessie Smith (La muerte de Bessie Smith), de Edward Albee. Si bien las autoridades siempre desmintieron esa información, Hammond nunca se retractó.
En 1972, el biógrafo Chris Albertson consiguió para su libro Bessie una entrevista con Hugh Smith, uno de los médicos que atendió a la cantante, quien no se pronunció al respecto. Otro médico que también asistió a la artista, W. H. Brandon, escribió una carta en la que contó lo ocurrido y dejó en claro que a la accidentada se le dio «la atención médica adecuada, pero nunca pudimos reanimarla tras el choque».
Los dedos rechonchos del Rhythm and Blues
El pionero del rock and roll, el pianista y cantante Antoine «Fats» Domino, autor de éxitos como Blueberry Hill y Ain’t That a Shame, vendió más de 65 millones de discos a lo largo de su carrera, y recibió un Grammy en 1987 por su trayectoria.
Su último intento de reconectar con la actualidad fue «Fats is back», elepé de 1968, donde recreaba algunos temas de los Beatles. El músico era aclamado por su particular estilo al piano y por ser autor de temas como Ain’t That a Shame, I’m Walkin o Blueberry Hill.
Sus últimas apariciones públicas tuvieron como objetivo recabar esfuerzos y dinero para reconstruir Nueva Orleans y ayudar a las víctimas del huracán Katrina. El 1 de septiembre de 2005, el músico fue dado por desaparecido por familiares y amigos incapaces de contactar con el músico tras el azote del huracán «Katrina» en Nueva Orleans donde se encontraba. Fue rescatado un día después cuando su hija, Karen Domino White, lo identificó en una fotografía de un diario en la que se veía a un hombre siendo ayudado a salir de un bote por las autoridades.
Entre sus canciones destacan Son Goin’ home en 1952; You said you loved me, Please don’t leave me y Going to the river, en 1953; Love me, en 1954; All by myself, I can’t go on y Ain’t that a shame, en 1955; I’m in love again, Bo weevil, Blue monday y Blueberry Hill en 1956; It’s you love, I’m walkin’ y I still love you, en 1957; 0 Whole lotta lovin’ en 1958.
Antoine Dominique Domino (Nueva Orleans, Luisiana, 26 de febrero de 1928 – Harvey, Luisiana, 25 de octubre de 2017), más conocido como Fats Domino, fue un cantante, compositor y pianista clásico del R&B y rock and roll afroamericano de los Estados Unidos, además de ser el padre del rock and roll. Durante los años 1950 y comienzo de los 60 fue el cantante negro que más discos vendió. Domino es también un pianista individualista con influencias del estilo boogie-woogie. Su éxito sirvió de impulso para los artistas de Nueva Orleans, llegando a influir en lugares tan insospechados como Jamaica (el ska jamaicano posee influencias de su música). La personalidad afable de Domino y su rico acento se suman a su encanto natural.
Con el boogie-woogie de su piano y su característica voz de ritmo suave, Antoine «Fats» Domino dio un giro importante al estilo de Nueva Orleans en lo que llegó a ser conocido como rock and roll. Pianista, cantante y compositor nacido en Crescent City en 1928, Domino vendió más discos (65 millones) que cualquier cantante de rock de los cincuenta con la excepción de Elvis Presley.
Domino a menudo encontró inspiración para sus letras en las experiencias de la gente. «Algo que le pasó a alguien, así es como escribo mis canciones», declaró. «Solía escuchar a la gente hablar todos los días, las cosas suceden en la vida real. Solía ir a diferentes lugares, escuchaba a la gente hablar. A veces no esperaba oír nada, y mi mente estaba en mi música». Ningún otro artista veterano del R & B de su época se aproximaría a su gran impacto en el rock ‘n’ roll, como lo demuestra la amplia variedad de artistas que versionan sus canciones: desde Bobby Darin, Ella Fitzgerald, Ricky Nelson, Ike Turner y Tina Turner hasta John Lennon, Paul McCartney, Sheryl Crow, T. Rex, Los Lobos y Cheap Trick.
Antoine nació en el seno de una familia numerosa con varios miembros músicos. Su padre era violinista y su tío Harry actuó como trompetista de jazz en las orquestas de Oscar Celestin y Kid Ory. A la edad de 6 años aprendió a tocar el piano y más tarde empezaría con actuaciones en público acompañado de Billy Diamond, un bajista que le bautizaría como Fats (Grasas).
En estos primeros años alternaba la música con diferentes trabajos. Fue vendedor de helados y más tarde trabajó en una fábrica de somieres. En esta empresa sufrió un importante accidente laboral al caérsele encima una pila de somieres. Como resultado se le lastimaron las manos hasta tal punto que los médicos le comunicaron que no podría volver a tocar más el piano. Domino no se resignó a ello y, tras una larga lucha para su rehabilitación, consiguió regresar nuevamente a los escenarios.
Fue descubierto en 1948 en el Hideway Club por Lew Chudd de Imperial Records cuando cobraba tres dólares por semana. Su verdadera carrera comenzó en 1949 con el tema «The Fat Man», que compuso junto con Dave Bartholomew, a quien conoció en la Imperial, y que es considerado por los investigadores como la primera grabación de un rock and roll. La grabación, basada en el tema «Junker’s Blues» de Champion Jack Dupree, fue un enorme éxito, vendiendo alrededor de un millón de copias y llegando al segundo puesto en la lista de Billboard R&B Charts. Hasta nuestras fechas (2006), Domino ha vendido más de 110 millones de discos.
Después de esta afortunada grabación, Domino lanzó una serie de nuevos éxitos con el productor y el co-escritor Dave Bartholomew, el saxofonista Alvin «Red» Tyler y el batería Earl Palmer. Otros músicos notables y de muchos años en la banda de Domino eran saxofonistas: Reggie Houston, Lee Allen y Fred Kemp quién era también el líder responsable de la mencionada banda. Domino finalmente atravesó la corriente principal del pop con «Ain’t That a Shame» (1955) que fue un éxito en los Top Ten, aunque Pat Boone llegaría al número 1 con una versión de esta canción.
Su primer álbum, Carry on Rockin’, lo lanzó en noviembre de 1956 bajo el sello de Imperial, para ser posteriormente reeditado como Rock and Rollin’ with Fats Domino al año siguiente.1 Domino lanzó una serie sin precedente de 35 sencillos que entrarían en los Top 40, incluyendo «Whole Lotta Loving», «Blue Monday» y una versión funky de la vieja balada «Blueberry Hill».
Después de que se trasladara a la ABC-Paramount en 1963, la brillante carrera de grabaciones tocó fondo aunque Domino siguió actuando en conciertos en vivo. Aunque permaneció en activo durante décadas, Domino sólo conseguiría un nuevo éxito en 1968, una versión de «Lady Madonna» de los Beatles, escrita originalmente por John Lennon y Paul McCartney emulando el estilo de Domino.
En los años 1980, Domino decidía no abandonar más Nueva Orleans. Tenía una cómoda renta de sus derechos de autor y además estaba su aversión para viajar y su idea de que comida como la de su tierra no la había en ninguna parte. Como artista afamado, su inclusión en el Rock and Roll Hall of Fame y una invitación a la Casa Blanca no podría ser una excepción. Domino vive en una mansión rodeado de una vecindad de clase obrera en Lower 9th Ward, donde se le puede ver con su Cadillac de color rosa brillante. Realiza apariciones anuales en el New Orleans Jazz & Heritage Festival y otros acontecimientos locales, demostrando en todo momento que su talento no ha disminuido. En 1987, Fats Domino recibe el Lifetime Achievement Award en la 29 edición de los Premios Grammy. Es citado como una de los más importantes enlaces entre la música rhythm & blues y el rock and roll. Su carrera discográfica es envidiable: Lleva vendidos cerca de 70 millones de discos con más de 90 sencillos y más de 25 elepés grabados, habiendo obtenido 21 discos de oro.
Cuando el huracán Katrina se acercaba a Nueva Orleans en agosto de 2005, Domino decidió permanecer en el estado con su familia, debido a la precaria salud de su esposa. Su casa, estaba situada en el distrito de Lower 9th Ward de Nueva Orleans, una zona que sufrió una gran inundación. El 1 de septiembre, su agente Al Embry comunicó que no había oído a Dominó desde que comenzaron los efectos del huracán. Más tarde, en ese mismo día, la CNN divulgaba que había sido rescatado en helicóptero por el servicio de guardacostas. Su hija, la cantante de gospel Karen Domino White, lo identificaba por una foto mostrada en la CNN. La famila Domino había sido trasladada al refugio de Baton Rouge. El Washington Post divulgó que el viernes, 2 de septiembre, los Domino en un apartamento, regresando a su hogar el 15 de octubre. Parece ser que su casa fue saqueada durante la ausencia: de sus 21 discos de oro, solamente quedaban tres.
Así es como la figura de Fats Domino permanece, no sólo en su natal Crescent City sino en todas partes. Como uno de los insustituibles pioneros del rock ‘n’ roll, The Fat Man no merece menos. Con una personalidad menos extrovertida que algunos de sus compañeros contemporáneos del rock y roll, Domino exhibió un poder de permanencia basado en la musicalidad sólida de sus grabaciones y sus actuaciones en directo.
Su carrera ha sido producida y dirigida desde los años 1980 por el productor de música y medios audiovisuales Roberto G. Vernon. Desde entonces, las ganancias de Domino se han incrementado en un 500%.
Desde 1995, Vernon y Domino han sido socios (con otras muchas compañías, como por ejemplo la Dick Clark Productions) en la Bobkat Music Trust. Bobkat Music es un grupo de espectáculos que dirige las carreras de distintos artistas, algunos ya fallecidos Elvis Presley y otros que siguen con nosotros como el propio Fats Domino, Paul Shaffer, Jerry Lee Lewis o Randy Pringle entre otros. Bobkat Music es el distribuidor oficial de los derechos de grabación de «Fats Domino and Friends».
Pollos y trenes en la esencia de ‘Superharp’ Cotton
El armonicista pionero del blues James Cotton, quien se levantó de la pobreza para introducir su instrumento en el mundo del rock estadounidense, actuó durante más de 60 años, incluso con un cáncer de garganta que le hizo renunciar a cantar en la década de 1990.
James «Jimmy» Cotton (Tunica, Misisipi, 1 de julio de 1935-Austin, Texas, 16 de marzo de 2017), armonicista, cantante y compositor de blues norteamericano, fue alumno de Sonny Boy Williamson II y junto a éste, Little Walter y Big Walter Horton forman el grupo de los 4 armonicistas más famosos en su época.
Participó de la banda de Muddy Waters a mediados de la década de 1950. Más adelante formó su propio proyecto, la James Cotton Band. Además participó como sesionista en innumerables grabaciones.
En 2006 fue músico invitado en el álbum Way Back, de Willie «Big Eyes» Smith y que también incluía a Pinetop Perkins.
Cotton ganó fama en Chicago como integrante de la Muddy Waters Band y durante la década de 1960 su armónica despertó la curiosidad de los hippies que buscaban explorar las raíces blues del rock. Abrió conciertos de Janis Joplin y Grateful Dead y colaboró con Led Zeppelin.
Había crecido trabajando en una plantación de algodón en Mississippi y quedó huérfano a los nueve años. Pero su madre ya lo había introducido en la armónica, usando una versión barata para imitar los sonidos de pollos y del tren.
Un vistazo a la biografía de Cotton, apodado Superharp, ya es como leer una novela. Nació en un lugar llamado Tunica, en el estado de Mississippi, en 1935. En casa había nueve hijos y el modo de vida consistía, como en los tiempos de la esclavitud, en recoger el algodón. Su padre, Mose, dedicaba los domingos a predicar en la iglesia del lugar que, como suele ocurrir en estos relatos, fue el lugar por el que entró la música en la vida de Cotton. Una vez pidió una armónica como regalo de navidad y consiguió un instrumento que costaba 15 centavos. Con él, imitaba el sonido de los pollos y el del tren.
Todo este paisaje sureño es importante ya que Cotton fue uno de los portadores que llevaron el blues del Delta, el más puro de todos, a Chicago, donde el género se electrificó y abrió sus puertas. Entre la tradición y la modernidad, Cotton tuvo la oportunidad de unir dos mundos.
Antes, hubo escala en Memphis, donde, a los 15 años, el muchacho ya grababa para la legendaria Sun Records. Después, el viaje continuó hasta Chicago, hasta Chess Records, que fue el estudio que ligó su carrera a la de Muddy Waters, co el que trabajó hasta 1966. Después, su carrera continuó junto a estrelals como Janis Joplin, Grateful Dead, Led Zeppelin, Santana, Steve Miller, Freddie King, B.B. King… Los años de a contracultura fueron propicios para Cotton
Cotton, que vivió sus últimos años en Austin, lanzó su último álbum en 2013, «Cotton Mouth Man», una mirada semi-autobiográfica de sus raíces.
Lowell Fulson, el ‘bluesman’ polivalente
Lowell Fulson (31 marzo 1921-7 marzo 1999) es quizá, después de T-Bone Walker, la figura más importante del blues de la Costa Oeste durante los años 40 y 50. A lo largo de cinco décadas componiendo y actuando, experimentó con su guitarra todos los estilos y fórmulas posibles en el blues, grabando bajo los nombres de Lowell Fulson, Lowell Fullsom y Lowell Fulsom
Fulson nació en Tulsa, Oklahoma, -algunas fuentes dicen que en una reserva Choctaw, pero el propio Fulson declaró que era descendiente de cherokees por parte de su padre-. A los dieciocho años, se trasladó a Ada, Oklahoma, donde se unió a Alger «Texas» Alexander en 1940. Más tarde se fue a California, donde formó su propia banda, en la que entrarían un joven Ray Charles y el saxofonista tenor Stanley Turrentine. Fulson grabó para Swing Time Records en la década de 1940, para Chess Records (con la etiqueta Checker) en la década de 1950, para Kent Records en la década de 1960, y para Rounder Records (Bullseye) en la década de 1970.
Entre sus grabaciones más destacadas figuran: «Three O’Clock Blues», «Everyday I Have the Blues», «Lonesome Christmas», «Reconsider Baby» (grabada en in 1960 por Elvis Presley y en 1994 por Eric Clapton), «Black Nights» y «Tramp» (coescrita con Jimmy McCracklin y más tarde versionada por Otis Redding con Carla Thomas, ZZ Top, Alex Chilton o Tav Falco). «Reconsider Baby», fruto de un contrato a largo plazo con Chess Records en 1954, fue grabada en Dallas bajo supervisión de Stan Lewis, con una sección de saxos que incluía a David » Fathead » Newman como tenor y Leroy Cooper como barítono.
Su última grabación fue «Every Day I Have the Blues» a dúo con Jimmy Rogers en 1999 para Atlantic Records.
Lowell Fulson grabó cualquier tendencia de blues imaginable. El blues urbano sofisticado, duetos rústicos de guitarra con Martin, su hermano menor, algunos elementos de funk que lo llevaron a los listados en los años 60 y hasta un cóver de los Beatles. Claramente este guitarrista, activo durante más de medio siglo, no tuvo nunca miedo a experimentar. Tal vez por eso sus discos siempre fueron muy vitales y satisfactorios, lo cual lo hace permanecer como un eterno innovador.
Pocos bluesmen han logrado permanecer con un sonido contemporáneo de la forma en lo hizo Fulson durante más de cinco décadas. Pocos han logrado hacer una contribución tan masiva al idioma del blues.
Fulson murió en Long Beach, California, en marzo de ese mismo 1999, a la edad de 77 y a causa de su enfermedad renal, complicada por la diabetes y la insuficiencia cardíaca congestiva. Era padre de cuatro hijos y abuelo de trece nietos.
Almas y cuerpos fusionados por el ‘meneo’ nocturno
Fue en 1947 cuando Roy Brown hizo un blues llamado «Good Rocking Tonight», que a su vez era una parodia del gospel pero que, en lugar de «rockear al Señor», ponía a gente de iglesia como Deacon Jones y Elder Brown «rockear» de modo poco religioso. Con «Good Rocking Tonight» se fundieron por primera vez en la misma canción el sentido gospel de «rockear» (de las almas) y el sentido no religioso (baile, sexo).
La «broma» partió del «Deacon Jones» de Louis Jordan de 1943, en el que un diácono robaba dinero de la colecta, se emborrachaba con el vino sacramental y mantenía relaciones sexuales con todas las feligresas. Brown llevó al diácono un paso más allá y lo puso a «rockear». El disco se vendió, pero la versión de Brown no tenía mucho de ritmo «rocking». Aunque Brown usó los dos significados de «rocking» en la letra de la canción, aún había un gran abismo entre la música gospel y el blues.»
Fue entonces cuando llegó Wynonie Harris para grabar una versión del disco de Brown, también en 1947, pero que se iba a convertir en una de las grabaciones más importantes de la historia de la música. Partiendo de la broma de Brown, sobre la gente de iglesia «rockeando», cambió el ritmo a un compás «uptempo» de gospel, mezclando así espectacularmente gospel y blues. Wynonie Harris introduce el ritmo gospel «rocking» en el segundo y cuarto compás del 4/4.
La versión de Wynonie Harris de «Good Rocking Tonight» se grabó en diciembre de 1947 y entró en listas en 1948. Aunque Harris no era el primero en cantar blues con un compás gospel, ya que otros como Big Joe Turner lo habían estado haciendo durante años, fue el disco de Harris el que inció la moda del «rocking» en el blues y el R&B de finales de los 40. Después del disco de Harris se produjo una onda expansiva de canciones de blues «rocking» y fue raro el artista negro que no sacara un disco de «rocking» blues en 1949 o 1950.
Johnnie Johnson se quedó sin tarta
El pianista y músico de blues Johnnie Clyde Johnson, (8 de julio de 1924 – 13 de abril de 2005) conocido por su trabajo junto a Chuck Berry, quien le dedicó su canción Johnny B. Goode, nació en Fairmont, Virginia Oeste, Estados Unidos de América y empezó a tocar el piano en 1928.
Tras su paso por la marina estadounidense durante la segunda guerra mundial, donde era miembro del grupo «Bobby Troup´s all serviceman Orchestra», se mudó a Detroit, Illinois, y Chicago, donde se relacionó con varios artistas destacados, incluyendo Muddy Waters, y Little Walter.
En 1952 se trasladó a St.Louis, Missouri e inmediatamente se hizo un grupo de jazz llamado «The Sir John Trio» con el baterista Ebby Hardy y el saxofonista Alvin Bennett. Los tres actuaron en un lugar llamado «Cosmopolitan Club» al este de St. Louis. En Nochevieja de 1952, Alvin Bennett tuvo un accidente y no pudo actuar. Johnson, buscando un artista que pudiera reemplazarle rápidamente, llamó a un joven cochero llamado Chuck Berry. Él pensaba que a causa de su inexperiencia como guitarrista no lo reemplazaría aquella Nochevieja. Aún así aquel guitarrista tan poco experienciado, añadió letra a las canciones y teatralidad al grupo. Ya que Bennet no podría volver a tocar debido a su accidente, Johnson contrató a Chuck Berry como miembro permanente del grupo.
Berry llevó una versión que hicieron de la canción de Bob Wills llamada «Ida Red» a la discográfica Chess Records. A los hermanos Chess les gustó el sonido de aquella canción, y de ahí a poco tiempo, estaban en Chicago grabando «Maybellene» y «Wee Wee Hours» – una canción que Johnson estuvo tocando en versión instrumental durante años, a la que Chuck le añadió rápidamente una letra. En la época en la que el trió dejó Chicago, Berry decidió empezar una carrera como solista y los otros dos miembros del grupo (Hardy y Johnson) se unieron a su banda. Johnson dijo «Pensé que podríamos obtener mejores trabajos con Chuck en su banda.»
Durante los siguiente 20 años, los dos colaboraron en muchas canciones de Chuck Berry, incluyendo «School Days», «Carol» y «Nadine». La canción «Jhonny B. Goode» fue según se informó un tributo a Johnson, con el título de la canción haciendo referencia al comportamiento de este cuando estaba ebrio. El pianista durante la sesión de grabación de la canción «Jhonny B. Goode» fue Lafayette Leake, uno de dos principales pianistas durante las grabaciones en Chess Records (siendo el otro Otis Spann). Leake también tocó en «Oh Baby Doll», «Rock & Roll music», «Reeling and Rocking» y «Sweet Little Sixteen».
Berry y Johnson actuaron juntos hasta 1973. Aunque no siempre pagado, actuó con Chuck después de 1973 ocasionalmente hasta su propia muerte en 2005.
Era bien sabido el problema de Johnson con el alcohol. En la autobiografía de Chuck Berry, Berry cuenta como él y su banda hicieron una promesa de no beber en el coche, mientras estaban en la carretera, poniendo la mano en la ventana como forma de juramento.
Johnnie Johnson desmintió la historia. Dejó de beber en 1991 después de casi sufrir un infarto en una actuación con Eric Clapton.
Tras recibir una pequeña contribución por su aparición en el documental «Hail! Hail! Rock´n´Roll» en 1987, pudo volver a la musica, ya que por aquella época se mantenía a sí mismo como conductor de autobús. Fue entonces cuando grabó su primer álbum como solista, «Blue Hand Jhonnie».
Más tarde, en 1995 actuaría junto con Keith Richards, Eric Clapton, John Lee Hooker, Bo Diddley y George Thorogood en el álbum «Live: Let´s Work Together» del último mencionado. En 1996 y 1997, Johnson se fue de gira con la banda de Bob Weir, Ratdog, actuando en 67 shows.
En 1999, se publicó la biografía de Johnson «Father of Rock and Roll: The story of Johnnie B. Goode Johnson» de Travis Fitzpatrick, un joven de entonces 23 años. El libro fue nominado al Premio Pulitzer por el congresista John Conyers, con lo que Johnson obtuvo mayor reconocimiento.
En el año 2000, Johnson se unió a la «Rhythm and Blues Foundation».
A finales del año 2004, Johnson grabó su proyecto final, «Johnnie Be Eighty. And Still Bad». Se grabó en St.Louis y todas las canciones fueron originales (escritas por el productor Jeff Alexander). El disco fue publicado la misma semana de su muerte, en Abril de 2005.
En 2005, tocó el piano en la banda «Styx´s Big Bang Theory» en la re-regrabación de «Blue Collar Man» titulado «Blue Collar man @2120». Fue grabado en Chess Studios en la avenida Michigan 2120 en Chicago. En el 46º aniversario de la grabación de la canción «Jhonny B. Goode» en el mismo estudio.
Anteriormente, en Noviembre del año 2000, Johnson había demandado a Chuck Berry, alegando que se merecía la acreditación de co-compositor (y derechos de autor) de docenas de canciones, como «No particular place to go», «Sweet little sixteen» o «Roll over Beethoven». El caso fue desestimado en menos de un año porque habían pasado demasiados años desde que las canciones en disputa fueron escritas.
Aúlla lobo, aúlla
Chester Arthur Burnett (White Station,10 de junio de 1910 – Hines, 10 de enero de 1976), más conocido como Howlin’ Wolf, cantante guitarrista y armonicista afroamericano de blues, fue por su voz y su presencia física, con 1,98 m de estatura y cerca de 136 kg de peso, una figura memorable entre todos los cantantes de blues del Chicago de los años 50.
Su voz ha sido comparada con «el sonido de las apisonadoras sobre un camino de grava». Junto con su contemporáneo Muddy Waters, formaron los dos pilares del blues de Memphis.
Hijo de una familia de plantadores de algodón, Howlin’ Wolf trabajó de granjero en la década de los 30, siendo uno de los pioneros entre los negros que emigraron en los años 40 a Chicago, aunque manteniendo siempre sus raíces.
El origen de su apodo le viene de cuanto su abuelo le contaba historias sobre lobos de esa parte del país. Le advertía que sí él se portaba mal los lobos vendrían aullando a buscarlo.
Sus padres se separaron cuando él era aún muy joven. Su madre Gertrudis ,muy religiosa, lo echó de la casa mientras él todavía era un niño por negarse a trabajar en la granja. Así que se fue a vivir con su tío, Will Young, quien le infringió maltrato. Cuando tenía 13 años, se escapó y cuentan que caminó 85 millas (137 km) descalzo para reunirse con su padre.
Cuando alcanzó el éxito, regresó de Chicago a su ciudad natal para ver a su madre, pero ella le rechazó nuevamente y se negó a tomar cualquier dinero que le ofreció, diciendo que su música era música del diablo.
En 1948 formó una banda con guitarristas como Willie Johnson y M. T. Murphy, el armonicista Junior Parker, un pianista llamado Destruction y el batería Willie Steele, y en 1951 comenzó a actuar en Arkansas.
Su álbum de 1962 Rockin’ Chair Album es uno de los discos de blues más famosos y es especialmente conocido por la ilustración de su cubierta con una mecedora. El álbum contenía temas como «Wang Dang Doodle,» «Goin’ Down Slow,» «Spoonful» y «The Red Rooster», canciones que sirvieron de base a los repertorios de las bandas inglesas y americanas seguidoras de los blues de Chicago.
En 1965 apareció en el show televisivo Shindig junto con los Rolling Stones.
Ya en 1972, Wolf dio varios conciertos en Chicago que fueron grabados por la discográfica Chess en su álbum Live and Cookin’ y en 1973 produjo su último álbum The Back Door Wolf.
Especial repercusión tuvo su álbum London Sessions, grabado en Londres junto a una super-banda de estrellas británicas (Eric Clapton, Stevie Winwood, Charlie Watts, Bill Wyman) y su inseparable Hubert Sumlin.
Su inimitable estido, dotado de una técnica musical rudimentaria (tanto en la armónica como en la guitarra slide), su peculiar sentido del tempo y sus aullidos (como en la célebre «Smokestack Lightning») confirieron siempre a sus interpretaciones un vigor inigualable.
El rock psicodélico de los sesenta tuvo en Howlin’ Wolf a uno de sus máximos inspiradores. Jimi Hendrix comenzó su actuación en el festival de Monterrey, en 1967, (su primera aparición al nivel de las grandes estrellas) con una frenética versión de un clásico de Howlin’ Wolf, «Killing floor». Los Cream convirtieron en éxito otra de las grandes piezas de Howlin’ Wolf (aunque compuesta por Willie Dixon), la febril «Spoonful», y también los californianos Grateful Dead legaron una recordada recreación de «Sittin’ on the top of the world».
Los Doors versionaron «Back door Man» y los Rolling Stones tuvieron unos de sus éxitos más tempranos con la inefable «Little red rooster». El estilo vocal de John Fogerty, cantante de Creedence Clearwater Revival, debe también mucho a Howlin’ Wolf, lo que se hace patente en canciones del grupo como «The Graveyard Train» entre otras.
Howlin’ Wolf murió de cáncer en el Hospital de Veteranos de Hines, Illinois, el 10 de enero de 1976.
Teclas al infierno desde Harlem
Joseph Vernon Turner Jr., mucho más conocido como Big Joe Turner, fue uno de los cientos de muchachos negros que forjaron su talento musical en la iglesia. El que fuese uno de los grandes blues shouters de todos los tiempos había nacido en 1911 en Kansas City. Un chico negro en los Estados Unidos de la época debía ganarse la vida de la manera más ingeniosa, dadas las nulas oportunidades que se les ofrecían. La música era, además de una escapatoria, una inminente solución a los problemas raciales. Big Joe Turner reinventó su estilo en cada giro, grabando boogie-woogie, jump blues y rock’n’roll.
Big Joe Turner comenzó su carrera mendigando por las esquinas de su Kansas City natal a cambio de un pedazito de música. Su perseverancia le llevó a actuar de residente en algunos importantes clubes musicales de la ciudad junto al pianista Pete Johnson, uno de los precursores del boogie-woogie. Turner y Johnson consolidaron una pareja musical muy fuerte. Trasladados a Nueva York probaron con Benny Goodman y John H. Hammond, el famoso caza talentos.
Todo esto sucedía a finales de los años 30, y Turner y Johnson, empujados por su inmediato éxito grabaron «Roll ‘Em Pete», uno de los primeros ejemplos de martilleante back beat y un claro precursor del rock and roll. Moviéndose siempre en una línea entre el jump blues y el rhythm and blues, Big Joe Turner continuó componiendo y grabando al mismo tiempo que actuaba en los más importantes clubes de Nueva York. Temas como «Cherry Red», «I Want A Little Girl» y «Wee Baby Blues», pertenecen a este brillante período de la carrera de Turner.
Pianista y cantante, Joe Turner, ya a los cinco años, recibió de manos de su padre, las primeras nociones de ese instrumento perfeccionando sus estudios posteriormente de la mano de Alma J. Thomas, esposa de un conocido pianista de Baltimore. En 1923 se produjo su debut como pianista y dos años después se trasladó a New York donde obtuvo un contrato para tocar en el «Barron Wilkins» junto a Hilton Jefferson y mas tarde con la orquesta de June Clark. Entre 1928 y 1929, actuó en distintos clubes neoyorquinos y a finales de 1929, ingresó en la orquesta del gran maestro del jazz, Benny Carter.
Su magnifica aportación pianística a la orquesta de Carter, llamó la atención de otro de los grandes músicos del jazz, una música por entonces incipiente pero que Armstrong y otros, la colocarían entre las mas grandes. Tras un paso efímero por el grupo de Louis Armstrong, Joe Turner, acompañó al piano a principios de los años treinta, a la cantante Adelaide Hall, primero en dúo con el pianista, Alex Hill y después con Francis Carter. A mediados de los años treinta acompañó a la cantante a Europa y tras su gira decidió quedarse en el viejo continente donde actuó en varios países. En 1939, tras una brevísima estancia en Suiza, Turquía y Francia, volvió a los Estados Unidos donde siguió actuando en solitario hasta que comenzó la II Guerra Mundial.
Durante su permanecía en el Ejercito (1944-1945), Joe Turner, fue incluido en una «service band» organizada y dirigida por el arreglista, Sy Oliver, en Camp Kilner (New Jersey). Desmovilizado en 1945, estuvo una par de años tocando en diferentes sitios y con diferentes músicos hasta que decidió volver de nuevo a Europa, y concretamente a Hungría donde en 1949 ofreció varios conciertos. En los años cincuenta, Turner era ya un músico muy conocido en los ambientes jazzisticos de Francia y Suiza, y en 1962, entró como pianista fijo en la «Calavadee», un local parisiense en la zona de los Campos Elíseos. Entre su discografía mas importante, hay que citar, además de las realizadas en Paris en 1936 a piano solo, el álbum «Another Epoch, Stride Piano» para el sello Pablo en 1975.
En los años cincuenta, sus apariciones fueron ligadas al nacimiento del Rhythm and Blues y su álbum para Atlantic grabado en 1956 y titulado: «The Boss of the Blues» junto a Joe Newman, Laurence Broon, Frank Wess, Freddie Green, Walter Page y su viejo amigo, Pete Johnson, fue un éxito extraordinario que le abrió las puertas en el mundo del jazz. Viajó a Europa, participó en numerosos festivales de jazz de todo el mundo y el director de orquesta, Count Basie, lo contrató para grabar un álbum extraordinario titulado «The Bosses: Joe Turner-Count Basie» «Original Jazz Clasisc, 1973», y en el que también tocaron el trompetista, Harry Edison, el trombonista, Jay Jay Johnson, y los saxos tenores, Eddie Davis y Zoot Sims.
En 1945 Big Joe Turner y Pete Johnson abrieron su propio club en Los Angeles, The Blue Moon Club. A partir de este momento la fama y el talento de Turner le permiten una sucesión de grabaciones, la mayoría de éxito, en las que le acompañan algunos de los mejores interpretes de jazz de la época, como los pianistas Art Tatum y Sam Price.
Auténtico éxperto en el blues tradicional, Big Joe Turner fichó por Atlantic Records en 1951, para la que grabó emblemáticos temas del blues como «Chains Of Love» y «Sweet Sixteen».
En 1954 se produciría el movimiento que le colocó en la historia del rock, al grabar «Shake, Rattle And Roll», uno de los primeros temas catalogados como rock and roll. El tema fue compuesto ese mismo año por Jesse Stone, como respuesta a una petición de los ejecutivos de Atlantic Records para Big Joe Turner. Como en muchos otros casos, un tema de base blues se convirtió en un tema de proto rock and roll.
La facilidad interpretativa de Big Joe Turner se hace patente en «Shake, Rattle And Roll», siendo además interesantísima su particular manera de hablar en todos sus temas, cultivada a lo largo de muchos años de jams. El back beat de nuevo como protagonista en la batería, el fuerte ritmo marcado por el bajo y la alegría sostenida del piano nos llevan a los esbozos del rock and roll, todavía tamizados de rhythm and blues en esta primitiva y original versión del «Shake, Rattle And Roll». Descomunal por supuesto el trabajo de Sam «The Man» Taylor con el saxofón.
Son temas como «Shake, Rattle And Roll» y los músicos que los interpretaron quienes ayudaron a transformar la música popular americana. Hasta ese momento había músicos y temas para negros y músicos y temas para blancos. En un momento en el que la juventud norteamericana estaba sedienta de ídolos e ideales, músicos como Big Joe Turner o Jesse Stone supieron casual o intencionadamente tocar la tecla que activaría hasta la eternidad a toda esa horda enfebrecida de muchachos desocupados. El rock and roll veía la luz y ya nada ni nadie podría detenerlo.
No sólo fueron pioneros en lo musical. La letra de «Shake, Rattle And Roll» tiene un alto contenido sexual que posteriores versiones se encargarían de tamizar. Pero la primera versión de Jesse Stone y Big Joe Turner hablaba sin tapujos de como le ponía aquella muchacha.
En los 70’s y 80’s Big Joe Turner se embarcaría en diferentes proyectos siempre relacionados con el jazz. Joe Turner, fue hasta su muerte en 1985, el ultimo representante del «Harlem piano stride» que permaneció en activo.
Roy Milton, sacudido por su obra
Pionero del Rock and Roll, Roy Milton fue víctima del propio éxito de la música que creó. Tras una década de intensa creación y éxito, a principios de 1957 su carrera se vio eclipsada por la comercialización del género.
Nacido el 31 de julio de 1907 en Wynnewood, Oklahoma, Milton pasó allí sus años de juventud en una reserva India, antes de instalarse en Tulsa, donde consiguió trabajo como cantante en la banda de Ernie Fields y sustituyó en ocasiones al batería.
En 1933 Milton se trasladó a Los Angeles, Californai, donde formó su propia banda, The Solid Senders. En 1940 grabó su prime disco «Milton’s Boogie» y en 1945 firmó un contrato discográfico con un nuevo sello independiente llamado Juke Box Records (más tarde Specialty).
En 1945 Milton aumentó su banda de trío a tener 7 componentes conocidos como The Solid Senders. Milton y su banda grabaron para Specialty Records entre finales de los 1940s y principios de los 1950s: «Hop, Skip and Jump» (1948), «Information Blues» (1950), «Best Wishes» (1952).
«True Blues», «Camille’s Boogie»,»It Should Have Been This Way», «Red Light»,»Sunny Side Of The Street», «I’ll Always Be In Love With You», «Blues In My Heart», «Grooving With Joe», «Mr. Fine» ,»Rainy Day Confessin’ Blues», «Little Boy Blue», «Them There Eyes», «Pack Your Sack Jack» , «When I Grow Too Old To Dream», «Big Fat Mama», «Thrill Me», «Roy Rides» , «What’s The Use»,»My Blue Heaven», «Keep A Dollar In Your Pocket»,»Train Blues» , «I’ve Had My Moments»…
En enero de 1950, Milton sufrió un accidente de automóvil serio mientras estaba recorriendo el Pacific Northwest. Camille Howard dejó la formación para iniciar su carrera en solitario y fue sustituida por Lil Greenwood. A mediados del año 1950 la formación de los Solid Senders era Roy Milton, líder y batería; Eddie Taylor, saxo tenor; Jackie Kelso, saxo alto; Charles Gillum, trompeta; Jimmy Rogers, guitarra; Lawrence Cato, bajo; Miss Perry Lee Blackwell, piano; Lil Greenwood, voz. Esta formación cerró 1950 con una de las giras de más éxito en la historia del R&B.
La primera publicación de Milton en 45rpm en Specialty salió a principios de 1951: «Bye Bye Baby Blues» y «That’s The One For Me». En Mayo Milton grabó «The Numbers Blues» y «It’s Later Than You Think».
En Enero de 1952, Milton y su banda aparecieron con Roy Brown en el escenario en el Howard Theater de Washington D. C. Siguieron grabando, «Don’t You Remember» , «Someday», «Let Me Give You All My Love» , «Early In The Morning», «I Stood By» y «Baby Don’t You Know», «Make Me Know It», «A Bird In The Hand», «It’s Too Late» y «Gonna Leave You Baby»,»How Can I Live Without You» , «Tell It Like It Is», «Baby Don’t Do That To Me» y «What Can I Do». Este fue el último disco que Milton hizo para el sello, finalizando una carrera de once años allí, donde fue el primer gigante que empezó la historia del R&B independiente.
En Abril, Milton firmó con otro indie de Southern California, Dootone Records: «I Can’t Go On» y «Fools Are Getting Scarcer», «You Got Me Reelin’ And Rockin'» , «Nothing Left», «I Want To Go Home» y «I Never Would Have Made It», «Bam-A-Lam «, «I’m A Woman».
A principios de 1957 la carrera de Roy Milton se vio eclipsada por el rock and roll más comercial y artificial de la época.
En los primeros 60 sus actualizaciones de viejos temas como «Red Light» y «Milton’s Boogie» hicieron saber al mundo que él estaba todavía en la brecha, interpretando clásicos del R&B. A principios de los 70 su gira con Johnny Otis and Orchestra constituyó un último recorrido por las históricas caravanas de R&B del pasado (captadas en disco por Monterey) y la Barrel House Reunion (también con Otis) proporcionó a todo el mundo una ración de lo que fue la rompedora presentación del sonido del moderno R&B.
Roy Milton murió el 18 de septiembre de 1983
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